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2010年度 東京企画構想学舎
企画10人セミナーをご受講いただきました皆様へ

昨年は東京企画構想学舎の
「企画10人セミナー」へご参加いただきまして
誠にありがとうございました。

さて、東日本大震災の影響で、
当初の予定から開講時期が遅くなってしまいましたが、
今秋９月より2011年度 の東京企画構想学舎が開講いたします。

今回は「企画10人セミナー」の講師を12人に拡大し、
「企画12人セミナー」として講座を行います。

多彩な講師陣が繰り広げる詳しい日程等については
以下のURLよりご確認ください。

http://gaien-tokyo.jp/kikaku/

去年のレポートはこちら。受講すべきか悩まれている方は、ご参考まで。

東京企画構想学舍 企画10人セミナー 第2回 箭内道彦氏 – PLUG
東京企画構想学舍 企画10人セミナー 第4回 後藤繁雄氏 #kikaku10 – PLUG
東京企画構想学舍 企画10人セミナー 第5回 中村勇吾氏 #kikaku10 #gakusha – PLUG
東京企画構想学舍 企画10人セミナー 第6回 片山正通氏 #kikaku10 #gakusha – PLUG
東京企画構想学舍 企画10人セミナー 第7回 吉田正樹氏 #kikaku10 #gakusha – PLUG

書籍化もされておりますのでこちらもよろしければ。

しかけ人たちの企画術

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小山 薫堂 箭内 道彦 片山 正通 後藤 繁雄 堂山 昌司 吉田 正樹 中村 勇吾 嶋浩 一郎 奥田 政行
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今年も勉強させていただきたいと思います。

快感と言ってもそんなに大それたものではなくて。

Our Workshop | Snack & Stack Kids Utensils

この写真を見ると、完成図であるこの姿に到るまでに行われたであろう「カチッ」とはめる動きを想像して、脳が勝手にブロックを組み立てたくなる。歯磨き粉やシャンプーのハイライトは本体とキャップの「残り1mm」を絶妙の力加減で押し込んだ時に100％の「カチッ」が鳴ることだし、他にもコンビニで代金を払ったら財布の小銭入れが空になることとか、車で信号が連続したときに赤信号に引っかからずに長い距離走れたりとか、デジタル時計見たらゾロ目とか、そういう日常にある小さな快感、それもアルゴリズムやインターフェースのデザインによってコントロールされている快感をしっかりまとめる必要がありますね、と最近思ったのでメモがてら。なお、ぼくとある種の関係性にある方々には宿題になります。ご了承ください。

今回は遅刻せずに到着。よかった。木曜夜19時半からという、よく考えてみると1週間で一番踏ん張らなければいけない大切な時間を費やしているわけだけど（たった今もね）、毎週確かな、そして想像したよりも多くの刺激をちゃんと受けているし、ちょっとずつ何かが変わりつつあるのが分かる。摂取する情報も変わるし、考えることも口をついて出る言葉も変わる。時間は有限だし仕事はたくさんあるからついつい仕事しなきゃ（と言いつつ、仕事してりゃいいか）と思いがちだけど、意識して続けていかないとな。

ちなみに昨日はMIT石井教授のUST見て痺れて、

（「必見」というのはこういうもののことを言うのだと思う）

その後山パンミーティング（秋のパンツ祭りの事前打ち合わせ）で死ぬほど笑ったりしてて、何か脳がいい感じになってきてる。いい流れは自分で持ってくるもんだ。

第2回、第4回、第5回に続く6回目。で、前回も書きましたが、

で、どうやらまとめている人が増え始めたみたいなので、 #gakusha とか #kikaku10 とかを適宜参照してただけると良いかと。録音したのを文字起こししているわけではないので当然聞き間違えるし、特に参加者サイドとしては講師が喋ったことをそのまままとめても仕方なくて、その内容から、終了後の事物に対する解釈とアクションがどう変わったかの方が何億倍も大事なわけで、いろんな人がまとめることによってそういうのが共有できたら良いな、と思うわけです。

思うわけです。さて。

***

講義開始前のスクリーンにはyugopによるWonderwallのスクリーンセーバーが。
「こういう時に流したくて作ってもらったんですよね」と嬉しそうな片山さん登場。

1966年生まれ44歳。
24歳の独立時には既にバブルが弾けていた。
東京に来たのは21歳の頃。世界中から東京にデザインが集まっていたが、表層的だった。
「実験」が終わった後。デザイナーに対する信頼がなくなる。それをどう取り戻すか。
WoderWall設立は30歳のとき。
数をたくさんこなすスタイルから自分がやりたい仕事だけやるスタイルにシフト。

（ここからhttp://wonder-wall.com/をプロジェクションしつつ解説）

・Wonderwall Office

・NOWHERE(BUSY WORK SHOP)
　NIGOが本名で連絡。来るまで誰か分からなかった。
　人気がありすぎて店の外に列が出来近所迷惑だったので店の中に通路を。
　ブティックのセオリーを無視する。洋服が20着かかればよい。
　アミューズメントパーク。乗り物に乗り込むような感覚。
　洋服がなかったとしても客が喜ぶ店に。

・SUNAOKUWAHARA
　予算少なめだが、お金がないことも楽しんで思い切る。諦めなくて良かった。
　工事用のマテリアルを多用。ヒッチコックの「鳥」

・THE BANK : BB
　横浜銀行の跡地。「ちっとも新しくない、昔からあったような」
　イタリアのバール、アイルランドのパブと、日本の「あの頃の感じ」

・BEAMS T
　Tシャツをアートとして考える。フロントとバックがしっかり見える。
　アーティストがキャンパスに描くアトリエのように。

・DRAWER AOYAMA
　ヨーロッパの感じ、イギリスの感じ→ピンと来ない。
　偶然クライアントのところにあったDavid Baileyの写真集で盛り上がり、空気を共有
　取り去れない柱をショップの外に出す。柱を逃げる形でエントランスを。
　店に入る前を白、入った後を黒とした場合、グレーのような空間を作ることができた。
　気持ちよくショッピングできるように、「逃げ場」を作る。

・100%CHOCOLATECAFE
　担当者の部長大変。役員が毎日店の前を通る。人がたくさんいないと！
　デザインを装飾として考えない。理詰めで必然で。
　キッチンを作り、チョコレートショップにシェフズテーブルを。
　ノリで56種類のチョコを企画、提案。大ヒット商品に。
　→どのような商品が売れるかのマーケティングにも役立つ。偶然。

・PIERRE HERME PARIS Aoyama
　エルメ氏から「自販機やガチャガチャでマカロンを売れないか」「コンビニ好き。ラグジュアリーなコンビニを作ろう」。
　古いwall paperのパターンをガラスとミラーで作る。

・LOOPWHEELER
　「その頃のムードはその機械でないと作れない」（LW鈴木氏）
　ツイードのジャケットを入れるようなものにスウェットを閉じ込める。ジョーク。
　
・A.P.C. DAIKANYAMA HOMME
　Jean TOUITOUから電話。「手伝え」
　DCブランドは空間に緊張感がある。対立概念としてのガレージ。
　なんてことのないガラスブロックも保存しよう。

・COLETTE
　セレクトショップはすごい。バイヤーすごい。
　毎週すべてが入れ替わる商品。その新鮮さ。流れを止めたくない。
　全体のダイヤグラム、絡み方を慎重にデザインした。

・PASS THE BATON
　ショップのコンセプトに共感。インテリアもリサイクルでやる。
　ただ、ムードではなく、あくまで現代的に、カラッとさせたかった。
　象徴として、アメリカのリンゴジュースのビンと蓋でシャンデリア。
　※表参道にはティーカップでシャンデリア。

・NIKE FLAGSHIP STORE HARAJUKU
　NIKEは原宿にFLAGSHIPを出したかった。10年間。
　オープンまで2年半かかるプロジェクト。時の流れによりコンテンツも変わる。
　consumer experience：全体を遊び場に。
　人の流れを止めない。自然に入ってもらえるように。
　表参道の一部になりたい。
　床をトラックに、木型で作ったJUST DO IT、壁がソールで、ビブスのシャンデリア。
　コンシューマーと近づくために野暮ったさを演出。天井はがしたり。

・THE SOHO
　外観はモノクロ。廊下は全部色を塗る。十人十色。
　原宿セントラルアパートのように。
　ロビーはホテルをつくる気分で。天井はティン。

*

自分の「作品」は作らない。クライアントと話しながら作り上げる。
クライアントが望むもの、クライアントのファンが望むもの、そして時代が望むもの。
「イメージ」は重要だが共有しない。
早いタイミングで、模型を使って現実を見せる。見えるものがある。

*

UNIQLOの話。

柳井氏が戻ってきたタイミング。ロンドンとかうまく行っていない。
佐藤可士和氏を「プロフェッショナル」で見て電話。
SOHOに1000坪を10か月でOpenしたい。無理。
いろいろありながらも、「日本を代表するブランドの勝負を前に逃げられない」と決意。
グローバルブランドを確立するための「ショーケース」

図面持ってなくて怒られる、エレベータ発注しろと怒られる。
レセプション直前まで作業車が入る。
「間に合わなかったらどうします？」→「間に合うから大丈夫」と押し切られる。
後日談「工事中でもオープンしちゃえばいいと思って」UNIQLO USA堂前氏。

可士和氏のコンセプト「美意識のある超合理性 beauty conscious ultra rational」
柳井氏「レコードを売るように服を売りたい」「服はパーツである」
空間コンセプトは「商品でつくる」。商品だけで空間を構成。
「（UNIQLO）らしさ」。圧倒的なプレゼンテーション。

Rem KoolhaasのPRADAが近くにある。
UNIQLOにできてPRADAにできないことを徹底してやる。

壁に商品を利用しキャラクターを与える。
1900年代初頭のレインコート屋のイメージで意識共有。
ライブラリ、倉庫、和室のリズムと美意識、能舞台。
YMOの「増殖」

ボロボロの壁がとにかくかっこいいので残す。UNIQLOがSOHOに来た距離感を表現。
建築が目立たないようにデザインを。
カシミアのWall、TシャツのWall

出来てみると精度が悪く、ボールを置くと転がる。
ただ、思い切ったアイデアの実現は精度に勝る。
エスカレーターを階段に切り替えたのは、自分の足で登ってほしいから。
面倒だけれども、それでもそれを体験したいと思わせたい。

UNIQLOを、というよりチームで日本をプレゼンテーションした。

*

企画の際は毎回リセットする。
作家の前に受け手としての感覚を大切にする。
作為をすべて取っていく。
掘り起こす。作るのではない。

インターネットの便利さにどう対抗するのか。
ワンクリックではない、「来てみて良かったな」と思ってもらうことが重要。
アナログな行為に重要性を。

海外においてはデザイナーに「センス」だけを求めていない。
日本のように「なんとなく」のまま出来上がることはない。

モチベーションとかじゃない。恐怖。
怖いので「イメージ」の段階を早く終わらせたい。
現実化することで「一緒にやってる」感覚を共有してもらう。

アイデアは苦しみ、苦しみ続けると出る。苦しまないと絶対に出ない。

***

時間通りに始まり時間通りに終わる。箭内さんのようなハチャメチャさもなければ後藤さんのような鋭さも感じさせず、勇吾さんのことを「天才だ」と言い続ける。極めて普通で極めて几帳面、という印象を受けたけれど、その裏には恐怖感から来る多大なる準備があることが（ご本人は「それは見せたくない」って言ってたけど）ひしひしと感じられた。自分が誰であるのか、そしてプロジェクトベースで何を考えながら仕事をしてきたか、という意味において完璧なプレゼンテーション。

DRAWERの話が特によかったな。片山さんの仕事だって知らなかった。1週間に何度も通る骨董通りで、路面から遠くアプローチを取られたあの異質な空間はとても好みで、昼でも夜でも表情豊かだなあ、と思っていたけど、柱という制約条件を解釈することで「グレー」を作り出すというのはものすごく参考になった。中も気になるし近々いってみよう。あと、代官山のA.P.C.は本当にかっこいい。

質問の時間までは割と淡々と進んだものの、質問によるアドリブにはやっぱりその「人」が出るんだなあ、とニコニコして聞いていた。恐怖から逃げるため。巻き込む。苦しまないと何も生まれない。スマートな仕事の裏の「何か」を見ると勇気出る。

久々に建築やインテリアをたくさん見たら、大学生から20代前半まではファッションの文脈から発展的に写真や建築に興味を持ち、毎日のように「いわゆる有名建築家の作品」を見て回っていたことを思い出した。Renzo Pianoの銀座HERMES、青木淳のLouis Vuitton各種、SANAAのhhstyle.com、そしてDior、伊東豊雄のTOD’S、H&dMのPRADA、など。考えてみればそのすぐそばに片山さんの仕事がたくさん存在していたわけだけど、当時は表面的、構造的な美しさ、ブランドの物語的な解釈と表現みたいなものばかりに興味があったせいか、極めてリアリスティック（に思えた）なその仕事に目が向いていなかった。

で、数年後、自分でも広告とかコミュニケーションをやるようになって、いかに人が動くか、気持ちが動くか、みたいなことを日々死ぬほど考え始めてみると、かつてあまり興味がわかなかった（という表現は正確ではなくて、もちろん見られるものはひととおり見て回ってたんだけど、どちらかというとインテリアより「建築」に興味があった。こう書くと箱モノが好きな建設官僚みたいでやだな）片山さんの仕事に表現される「コミュニケーション」を感じ、なぜ片山さんが「選ばれる」のかが分かったし、昨日のお話でそれが更に明確化された。発注したくなる。

まずはこれ、行かないとな。

「Exhibition of Wonderwall archives 01」
会場: ポーラ ミュージアム アネックス
スケジュール: 2010年10月29日 ～ 2010年11月28日
住所: 〒104-0061 東京都中央区銀座1-7-7 ポーラ銀座ビル3F
電話: 03-3563-5501 ファックス: 03-5250-4670

インテリアと広告、コミュニケーション、建築と広告、建築とWEB、いろいろ考えてみたいことはあるけれどいったん置いておいて、金曜日をピリッと締めたいと思います。改めて、この講座申し込んで良かった。安いぜ5万円。

ありがとうございました！

第5回目。初めて2回連続で出られた5回目は @yugop こと中村勇吾氏。出発直前、あり得ないタイミングで電話が鳴り響き、遅刻しての参加。遅刻が死ぬほど嫌いなのでタクシーの中で泣きたい、死にたいと泣き言を発して運転手に怪しまれながら明治記念館方面へ。いつもと違って2階なのね、と思いつつ恐縮しつつ入場。

で、どうやらまとめている人が増え始めたみたいなので、 #gakusha とか #kikaku10 とかを適宜参照してただけると良いかと。録音したのを文字起こししているわけではないので当然聞き間違えるし、特に参加者サイドとしては講師が喋ったことをそのまままとめても仕方なくて、その内容から、終了後の事物に対する解釈とアクションがどう変わったかの方が何億倍も大事なわけで、いろんな人がまとめることによってそういうのが共有できたら良いな、と思うわけです。

いつも通り、内容を念のため。

企画は「人」から生まれる。企画を生み出すのは、会社でもなければ、クリエイティブチームでもなく、ましてやコンピュータでもありません。企画はいつも「人」から生まれます。どんな企画も、知識や知恵、経験、感性、想いなども含めた「その人自身」から滴り落ちる、いわばその人ならではの”子ども”のような存在。それだけに企画者には、「どんな考え方をもっているのか」「どんな感性でいるのか」「どんな日々を送っているのか」、すなわち「どんな自分でいるのか」がつねに問われるといっても過言ではありません。この企画10人セミナーではそれを、すでに数々のすぐれた実績を残している企画人たちに問いかけます。講師は小山薫堂氏のほか、クリエイティブディレクターの箭内道彦氏や編集者の後藤繁雄氏など、広告やデザイン、ビジネス、エンターテインメントといったさまざまなジャンルの第一線で活躍するプロフェッショナルたちが担当。「企画」をテーマに、単なるノウハウ談義にとどまることなく、ものの考え方や体験談、価値観、人生観にまで踏み込んだ講義をおこないます。全10回の連続座学講座です。

東京企画構想学舎：企画10人セミナー｜+art 東北芸術工科大学 生涯学習事業プログラム
http://www.tuad.ac.jp/plusart/tokyo/com.html

上記の通り遅刻したので最初の10分は飛んでます。どうやら、

こういうことだったらしい。ありがとうTwitter、ありがとう @kUtsunomiya さま。それでは、今回もまとまりなくメモを。

*

開かれた造形

自己に留まらない、他者に開かれた造形手法。
WEBで作る意味
　→多数の人が見る→人が関わることで変化する
e.g., FINGER TRACKS
　マウスの動きをトラッキングして再現。
　アクセス解析用だったが、シャドウや線の効果を付けて楽しく。
　最終的には6人Ver.も。
　サイトアクセスから一定の時間という時間軸を共有。疑似リアルタイム。
　数学的、論理的ランダムではなく、デタラメでもない。その中間にあるモーショングラフィック。
e.g., ecotonoha
　FINGER TRACKSと同じエンジンを一部利用
　初回訪問ユーザーに対するガイドの役割を持たせる。
　「使い方」を出すのは悔しい。
e.g., MORISAWA fontpark
　プルプルしてる。不要な時は放り投げる。
　ワンハンドインターフェースはリアルな力学判断。
　フォントデータを多角形にコンバート。
　発想の原点は「アニメーションの面白さ」
　その制作過程をきちんと表現するため、シームレスなインターフェースに。

コード（規制）による造形。
　ユーザーは基本的に何をしても良いが、フレームには従わせる。
　マクドナルドのイスは何故カタい？
　間接的なユーザーの方向付け

WEBにおいてはインターフェースのマナーから逃れられない。
　e.g., 電子書籍はメガプレイヤーがDRMのルールを決めるとそれに従わざるを得ないし、Twitterも140文字という規制がある。
　最小限のマナーを作ることで方向付けが為される。

プログラミング、エンジニアリングにおける規制が、それすなわちプランニング。

Composition of Logics

ロジックのコラージュ
　マグリットの絵

個人的な価値　マグリット – Google 検索

関係ないもの同士をぶつけて、何かが生まれないか。文脈はバラバラだが、意味が生まれる。
カリフォルニアロール、たらこスパゲティの話。
スパゲティそのもの、たらこそのものではなく、組み合わせで意味を。
メディアアートとかコンピューターグラフィックの専門家は「たらこのスペシャリスト」
「組み合わせをします」というアプローチが当時は存在しなかった。

アルゴリズムの総和による創発性
　単純な総和以上のものを作る
　3つの黒い点がある、それが三角形に
　e.g.,INDUSTRIOUS CLOCK
　　映像というアルゴリズム（スタートエンドで一直線に動くもの）と時計というアルゴリズムの関係性。
　e.g., DROPCLOCK
　　よりシズル感を持たせた映像を、時計のルールに閉じ込める。
　　「オーラ」「奥行き」
　e.g., amaztype
　　世界初、自律的にお金を生み出すタイポグラフィー
　　構成の妙。「これにこれかい」をアルゴリズムで生み出す。

「好きな映像があります」

この映像から、

　e.g., Everything in it’s right place
　　完全に物理法則に従いながら、10秒に1回奇跡が起こる仕組み
　　ルール的なコントラストの逆転

　e.g., Sound Capture
　　一方向に流れる映像をボリュームに合わせて逆再生したり。
　e.g., Wonderwall Screensaver
　　fontparkのエンジンを使ってる。
　　サイトのリミックス。
　　Wonderwall作品のデータベースがあり、それをサイトにするとアレで、スクリーンセーバーにするとこれ。

肩書きいろいろ。インターフェースデザイナー、WEBデザイナーなど。その場に応じて使い分け。ただし自分ではアニメーション作家だと考えている。
宮崎駿との違いはアニメーションが生まれる源。
　アルゴリズムやユーザーの動き、計算から。
　いわゆるアニメーションとは違う原理で動くものを志向。
　アニマ。

「もうちょっとコマーシャルな話もしましょう。」

お題の中で、その世界観を最大限に表現する。
原理を考え、表現を流通させる。
概念に表現を与え、飛翔させる。

UNIQLOの話。
　美意識のある合理性、超合理性。
　ロンドンでは郷に入っては、でやや失敗。NYでは流儀に逆らって自分たちの本質を。
　服は服装の部品。服のプロダクトメーカー
　e.g., TEASER
　　CIガイドラインを守りながら自動的に増殖、配置。
　e.g., EXPLORER
　　モザイクの商品データベースを無限閲覧
　　カタログとしても機能し、「あらゆる商品が揃う」という「らしさ」も表現

UT LOOP!

　Individuality
　UT as a platform ( not a fashion brand )

　CMはFPM田中氏に大量に撮りためた素材をガサっと渡して「曲作ってください」
　自分でカット割りしない。
　CMが生まれるシステムだけ作る。結果として小さな奇跡がたくさん起きる。

iida

　方法論はオーソドックスだが、ケータイを「浅く扱う」ことを特色に。

MUJI

いかに冷静にやるか（売らんかな、ではなく）。デザイン活動の映像版。動くカタログ。
低温感、常温感。
映像は何かを物語らないといけない、という概念からできるだけ距離をとる。
　
“デザインと偶然性”

Designの語源、ラテン語の「Designare」
「いわゆるデザイン」、正しさの表現はやり尽くされている。
ちょっとしたエラーやバグを偶発性としていかに取り込むか
意図の外側にあるもの→できてしまったもの
できてしまった後のデザイン。できちゃった結婚

世の偶然性の海に投げ出すこと。
意図するだけでは捉えきれない。
引っかかりどころをいかに作るか。

企画、計画にいかに偶然性を盛り込むか。
buzzったり、shareされまくる状態というのは、優れた人でも3割くらいの成功率
　大抵目論み通り行かない。
　@masason が気に入る、とかそういうことでもないと。
　運に頼っている。uncontrollable。なので確率を上げる。
　ダントツに良いものは自然に広がるが、短期間のキャンペーンとかでは難しい

質は作業量に比例する
　量は裏切らない。試行錯誤により偶然に「化ける」確率を上げる
　血肉化。技術習得の目的は技術から解放されるため。
　　何も考えないために必要。
　　10年くらいやっていれば解放される気がする。

デザインの「外側」に行くために
　グリッドをごにょごにょすると面白そう→なんかやってみて
　→それを見て伸びる方向を見極める / 可能性を見立てる

メタレベルでの技術習得に意味はない。メタに徹するならそれはそれで良い。

見ることは作ること。
　見ないと作れない。偶然性の集まりの中で、あるデザインにつながる
　きっかけを見極める。
　点を増やすことが下地の作業、線で繋げるのがデザイン。
　視力を上げていくことと、視野を広げていくこと
　コラボレーションとは、視線を合わせること
　e.g,. タイポグラフィーの話
　　見えている人には見えている。同じ解像度で話せる。
　　見えていなかった解像度で見る
　　違う文脈で見る

ひとつのことで視力を上げてつかんだコアは他の分野でも応用可能
　WEBにおいては、どういうモジュールを作るか、というコア。

あるものに対する深度がバラバラだとダメ。
奥底でつながるものが最適に表現される。

Wonderwallの「音」
　デザイン要素として大切、必要。
　ないと軟体動物みたいで気持ち悪い。
　音があると「分節されてますよ」というコミュニケーションに。

音と映像のシンクロ感
　ギターリフをジャストに弾くことはできるか、微妙に調整する
　音が先で映像が後→音が映像を動かしている
　映像が先で音が後→映像によって音が流れている

アートではなく、本質的な新しさではなく、より多くの人に新しいと感じてもらうことを志向。
元々共有されている当然の部分をいかに握るか。時計とか。
ギャルソンの店員の斬新すぎる格好

普通の人にプログラミングを語っても仕方がない。形而上。
「時計でさー」で伝わる。

*

こんな感じでおよそ2時間。おなかいっぱい。少し前に「言葉のデザイン2010」をUstで見てた時につぶやいた通り、

もう10年以上勇吾さんの作品を見ていることになる。描き出される偶然性のアウトプットも、アルゴリズムによって構築されている以上は作者にとっては「意図された偶然」であり、あたかも偶然のように感じられるからこそ、人間の根源的な琴線を握れるんだろうな、と改めて恐れ入った。

yugop.comは今閉じられていて、その代わりに（ではないだろうけど）yugop.net/info/というディレクトリを見つけた。そこには、

YUGOP.COM IS INCUBATING IDEAS FOR

とあり、

ABSTRACT COMMUNICATION
REACTIVE STRUCTURE
COLLABORATIVE FORM
KINETIC SYSTEM
ARCHITECTURE FOR DIVERSITY
ACCIDENTAL BEAUTY
COMPOSITION OF LOGIC

という7つの概念が提示されていた。だいぶ昔のものなので、これが今でも根底に「意識的に」あるのかは分からないけれど、話を伺って、作品を感じた後にこれらのフレーズに目を移すと、さらにいろいろと想像が広がって楽しすぎる。

昨日の講義の中でも何度もあったけれど個人的にこの講義に期待しているのは、「んー、なんていうんだろうなー、むずかしいなあ、○○みたいなかんじかなー、ちがうなー」みたいな「表現活動の言語化表現」であり、それがいくつか見られたのが大収穫。クリエイターは評論家ではないし、さらさらと言語化する/できるわけないけれど、思考の中では何かと何かがつながっていて、それの一端を自分自身の思考とつなぎ合わせながら、少しでも面白いことを考え続けたいな、と改めて思う。

いやー、WEBっておもろいなあ。がんばろーっと。考えたことはここに書いた10倍くらいあるので、そのうち何とかしてアウトプットしよう。しないと意味ないしな。

ありがとうございました！

auのスマートフォン、IS03。ワンセグとおサイフケータイというiPhoneの弱みを忠実に攻め、「全部入り」という日本人にいかにも響きそうな訴求で、ついに登場。で、表題の件。

今日、アポに向かう最中の電車の中で「iPhone増えたなー」と思った。学生も持ってるし、ギャルも持ってる。ぱっと見た感じで分かるくらいなので、やっぱり増えてるんだろう。アメリカではAndroidだみたいな報道があっても、まだまだ伸びるだろうな、と改めて感じてた。

街を歩いていて人がボーっと視界に入るとき、携帯電話そのもののビジュアルに目が行くことは少なくて、その人がどのキャリアのどの携帯電話を使っているかは知る由もないけど、下向いて、左手端末、右手で操作というスタイルはiPhoneが作り出したユニークなスタイルであり、極めて秀逸なビジュアルマーケティングだと思う。上に書いた「iPhone増えたなー」の根拠もそこにある。BlackBerryは片手でつぶすように持つし、Xperiaはまたちょっと違う。

で、IS03。

IS03 | スマートフォン | au by KDDI
http://www.au.kddi.com/seihin/ichiran/smartphone/is03/

au期待のAndroid端末「IS03」と「iPhone 3GS」のデザインを比較する – ITmedia +D モバイル
http://plusd.itmedia.co.jp/mobile/articles/1010/04/news080.html

もはや書くまでもないけれど、そういうこと。狙ってんのかな。狙ってるよな。これによってiPhoneは「外見的な利用スタイル」における独自性を失うことになる。つまり、街中で「ああいう姿」を見てももう「iPhone増えたなー」とは思えなくなってしまう。後発のスマートフォン端末としてスペックをきっちりiPhone以上にしてきた（今更Android 2.1かよとか、いろいろあるけど）ことはもちろん、こういう確立したスタイルを崩しにかかるのもチャレンジャー企業らしくて良い「飛び掛り方」だな、と感心した。

au解約しちゃったからちょっと残念だけど、この端末は久々に注目。さて、どうなる、スマートフォン。

ちょっと前に、こんなことをつぶやいたことがあった。

たとえば本や雑誌におけるエディトリアルデザインのように、コンテンツ制作者がその伝達方法まで考えるのは当たり前のように考えていたけど、WEBの登場、そしてCSSやXMLの登場によりコンテンツデータとインターフェースの分離が進んだことによって、少なくともWEBにおいてはそれが当たり前ではなくなってしまった。今こうして書いているエントリもRSSに乗ればただのテキストになりGoogle Readerやらなにやらで消費され、iPhoneで閲覧すればiPhone用に最適化（WPtouchね）されたレイアウトで、大して色気のないデザインに覆われ消費される。どんなに綺麗にインターフェースを飾っても、極端な話、それを一度も見ない人だっているのだ。

また、index.htmlを基点としてWEBサイトがスタティック（たとえそれがダイナミックに生成されていたとしても）に構築されていたとしても、index.htmlへの来訪割合というのは人々の検索リテラシーの向上により確実にその値を減らしていて、このブログを例にとっても、トップから5件のエントリが表示されているページを見ている人もいれば、このエントリに直接たどり着いている人もいる。いかなる来訪に対してもそのコンテンツ消費体験を最適化するなんていうのは無茶な話なわけで、最大公約数的な対応になるのもやむを得ない。

つまるところ、コンテンツの消費主体との接点というレイヤーにおいて、どのようなデザインでそれを消費するかの主導権が消費者側に移ってしまった、ということ。

YouTubeのembedによる貼り付けを例に出すまでもなく、今現在のWEBコンテンツに重要な要素のひとつはポータビリティである。ソーシャルメディアという「単なるプラットフォーム」にWEB全体のトラフィックが移行していることを考えても、どこかにどっしり構えて（たまにプロモーションでもしつつ）人を待つ、なんていうのはナンセンスで、いかにshareabilityを高めていくかが極めて重要であることは間違いない。それはスキームだけではなくコンテンツそのものについても同様。たとえば「つっこまれビリティ」なんてのがそれに当たる。人はWEBにおいてももはやひとりでコンテンツを消費しないのだ。RT万歳、である。

で、何が言いたいのかというと、そういう現状における「WEBデザイン」っていうのは何なんだろう、ということ。ここまでその「コンテンツ」の制作主体については考えて書いていないけれど、CGMについてはもちろん、企業のWEBサイトだって”co.jp”上だけで消費されるはずもなく、ソーシャルストリームに乗せられフラットに評価されることになる。そうなった時、自由に表現できる”www”という「場」だったはずのWEBが急激にプラットフォームに支配されることになる。YouTubeのチャンネルのカスタマイズ性の低さに悶絶したWEBクリエイターは数知れずだと思うし、Facebookの「ページ」だってお世辞にもデザイン上の自由度が高いともいえない。一方で、ユーザビリティを最大限に考慮しながら美しくデザインされたWEBサイトへのトラフィックは減る一方なのだ。

限りあるリソースを自社のWEBユーザビリティの最適化に割くべきか、ソーシャルメディアにおけるユーザー体験の最適化に割くべきか、その割合は企業によって異なるだろうけど、大きくソーシャル側にシフトしつつあるのは間違いない。自社サイト以外は単なる集客チャネルのひとつであり、主戦場はあくまで自社サイトである、という時代はもう終わったのだ。では、WEBデザイナーはどこで何をデザインしたら良いのか。いわゆる「WEBデザイン」は終わったのか。

自分自身今はWEBデザイナーでもなんでもないので、こんなことを言うのは超余計なお世話以外のなにものでもないんだけど、思うところを。かつて、広告のプランニング業務をしていた人々が徐々に「コミュニケーションデザイナー」などと名乗り出しているところにヒントがあるんじゃないかな、と。広告屋さんの仕事を単に企業のコマーシャルメッセージをいかに消費者に届けるかに限定する必要はなくて、そもそも広告を作る過程で数限りなく消費者のこと、市場のこと、トレンドのこと、その他いろんなことを考え抜いているわけで、そこで蓄積されたもののアウトプット先は数限りなくある。「コミュニケーション」の「デザイン」がソリューションとして適用できるところならどこにでも。「広告」はなくなるかもしれないけれど「コミュニケーション」はなくならない。それにしてもうまいこと言うよな。さすが電通。

じゃあ、WEBデザイナーはどうするのか。結論、「インタラクションデザイナー」になればいいのだと思う。WEBデザイナーはWEBの誕生以降、極めて特異で極めて複雑なものをデザインしてきている。そもそも能動的なメディアであり客体とのインタラクションを想定して考えなければならず、更新性を担保するためにモジュール化を考えたり、時には印刷というアウトプットまで面倒を見なければならない。そんな面倒で仕方がないメディアをデザインしているという経験を活かすべき場は腐るほどあるのだ。たった今でさえ、無意味に「領収書あり」みたいなボタンを何も考えずに表示して押さないと先に進まない駅の自動券売機のタッチパネルとか、どう考えても売上の最大化に向かって最適化されていない飲料の自動販売機とか、そういうものがたくさんある。IPv6やらでいろんなものがネットワークにつながった段階でそれをきちんとデザインしなければいけないというニーズは必ず発生する。トラッキングも出来るしね。そのニーズに対応できるのは、今「WEBデザイナー」という職種についている人たちじゃないかと、割と真剣に思っている。

取り急ぎ、マウスとキーボードと、ペンタブを捨てよう（あとでまた拾うけど）。小さなディスプレイの中にはない、広大なステージが、まだまだたくさん、きっとある。

恒例の。

ギンザ・グラフィック・ギャラリー（ggg）では、4月恒例の「TDC展 2010」を開催いたします。
　この展覧会は、毎年先端的なタイポグラフィ作品が一堂に会するコンペティションとして、東京タイプディレクターズクラブが主催する国際的なコンペティション「東京TDC賞」の成果をご覧いただくものです。
　本展は、ますます国内外での評価・注目が高まる「東京TDC賞」の2009年秋の公募に寄せられた3,180作品（国内：2,301、海外27カ国＋2 地域より879）の応募作品の中から、厳正な審査の結果により選ばれた、｢東京TDC賞2010｣。この受賞作品10作品をはじめ、ノミネート作品、優秀作品など、国内外の最新鋭な作品や新しい可能性を含んだ実験作品、あわせて約100作品を展覧いたします。
　また、展覧会を記念し、今年で10回目を迎える毎年好評の国際デザインフォーラム「TDC DAY」もあわせて開催されます。

ギンザ・グラフィック・ギャラリー
http://www.dnp.co.jp/gallery/ggg/

改めて自分がいかにタイポが好きかということを実感できた。グランプリについてはこの前言及した通りなかなかすごくて、政治的なメッセージがあるからとかどうとかは割とどうでも良く（それは現に存在していてかつ認識されている問題だから。だからこそ伝わるんだけど）、シンプルに、いってしまえば削ぎ落とされた表現でここまでできるのか、と感嘆した。エキソニモの「EXONEMO ANTIBOT T-SHIRTS」も超楽しいし、「日々の音色」はもうさすがに飽きたけど、地階にあった割とちまちましたものも含めて超楽しめました。無料でありがたや。入ってすぐ、左手の壁にあったオレンジバックの作品がすごく良くて家に欲しくなった。リプリントでいいから手に入らないかな。

GGG新年一発目は田中一光。田中一光アーカイブはDNPにあったのね。知らんかった。

2010年のギンザ･グラフィック･ギャラリーは＜DNPグラフィックデザイン・アーカイブ収蔵品展II—田中一光ポスター1953－1979＞で幕開けです。
　日本のグラフィックデザイン界のみならず、世界中に影響を与え続けた田中氏の作品の数々は、いまなおその輝きを失うことはありません。そんな秀逸な作品群と関連資料120,000点の寄贈により、2008年末、DNP文化振興財団により田中一光アーカイブが設立されました。
　本展では同アーカイブ収蔵作品より、1950年代から70年代に制作されたポスター作品150点を精選して展示。田中氏の生涯にわたる豊かな創造活動の初期から中期までの軌跡をたどります。神戸勤労者音楽協議会や産経観世能といった傑作のほか、知られざる優品も多数ご紹介いたします。
　田中氏の創作活動の原点を振り返るとともに、世界屈指のポスター作家へと着実にステップを踏んでいた時代の奥深い魅力を探る展覧会となります。

ギンザ・グラフィック・ギャラリー
http://www.dnp.co.jp/gallery/ggg/index.html

現代美まで回顧展を見に行ったのはもう7年くらい前。時が経つのは早いけど、でも、経たない時もあるのです。それを感じに、いざ銀座。

ネックレス。向ヶ丘遊園で購入。超お気に入り。

シルバーと真鍮。maricoさんの作品。

ミッドタウンデザインアワード2009のグランプリ。

Masahiro Minami was kind enough to send over images of “Chonmage Yookan“, a design that took first place in the recent Tokyo Midtown Awards. Judged by Japan’s design elite (Kenya Hara, Manabu Mizuno, et al.) as having perfectly blended humor with regular yet astute design, the piece shined over its 1300 peers in the “New Gifts from Japan”-themed competition.

Masahiro Minami | Tokyo Midtown Award | Spoon & Tamago

パッケージではない食品そのものの形状も、そういえばプロダクトデザインの対象なんだな、と。加工食品が溢れる現代においては、遊べるものがたくさんありそう。